Cubismo

CUBISMO

Os"ismos" vieram para sacudir o mundo artístico. Vale perceber, pois não é difícil, que o pintores do impressionismo, expressionismo, fauvismo, cubismo, futurismo e outros ismos têm tudo em comum. Eles têm formas e cores.

 

Ao se pensar em cubismo, relembramos algumas obras de cores austeras, que vão do branco ao negro, passando às nuances de cinza, não necessáriamente 50 tons, e com uma pitada de havana esmaecido, um ocre opaco ou um suave tom de castanho. Mas o cubismo não se resumiu a isso. Essa tímida entrada de uma nova proposta com cores acadêmicas não durou muito. E o cubismo resplandeceu com muitas cores, e puras, como a dos fauvistas.

Pablo Picasso, assim como George Braque, seguiram a lição de Cézanne, dando inicio à geometrização dos elementos da paisagem e do uso das cores puras e vibrantes. Sim, Cézanne. 

Mas...Você aprendeu que Cézanne era impressionista? Por causa da contemporaneidade com outros impressionistas e o traço não realista. É, mas também ouviu falar que Cézanne era fauvista. Por causa das cores fortes, quase puras, principalmente ao pintar paisagens com um verde quase puro e um ocre avermelhado vibrante e fazer uso do roxo e do amarelo. Verdade. Por isso, eu digo que os "istas" são da mesma família.

Alguns artistas passearam entre movimentos da Arte. Por isso, essa concepção é comum. Mas, historicamente falando, quando pensamos em um artista que, conhecidamente, transformou o desenho do objeto em linhas geométricas, porém assimétricas, foi Cézanne. Sua maçã e seus pêssegos não eram redondos, e seus vasos de flores tinham formas fragmentadas.

Por isso, é normal dizer que o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Para Cézanne, a pintura não podia desvincular-se da natureza, tampouco copiava a natureza; de fato, a transformava. 

Paul Cézanne, deixou a explanação a respeito quando disse e foi registrado, que _ “Mudo a água em vinho, o mundo em pintura”. E era verdade. Em suas telas, a árvore da paisagem ou a fruta da natureza morte não eram a árvore e a fruta que conhecemos – eram a pintura. Essa é a verdadeira arte. Não a que imita ou copia um registro igual ao da natureza, um registro idêntico ao que vê o olho humano, mas a que é criada sobre as coisas que se vê e conhece no mundo em formas e cores transformadas.

Na sua pintura, as referências exteriores que as identificavam como árvore ou fruta, eram um fato, podia entender de imediato que tratava-se destes modelos, mas, elas adquiriam uma outra substância: eram criações do mundo pictórico na visão do artista e não do mundo natural, como numa foto, uma representação igual ao que se vê. Por isso, não é raro se dizer que Cézanne pintava numa zona limite, ou seja, na fronteira da natureza e da arte.

Quando George Braque enviou alguns quadros para o Salão de Outono de 1908, onde Henri Matisse, como membro do júri, os viu e comentou: “Ele despreza as formas, reduz tudo, sítios, figuras e casas, a esquemas geométricos, a cubos”. Essa frase, citada por Louis Vauxcelles, o mesmo pomposo crítico irônico de arte, que nomeou como os 'Les Fauves', (ou feras), os artistas que em meio a uma única peça de arte acadêmica, ou chamada clássica, apresentaram obras de cores puras, sem traço ou forma com comprometimento com a realidade, mas que no entanto, chamavam a atenção do público, e caíam no gosto da visão de uma criança. A arte feita para se ver com o coração, não com a teoria dos eruditos.

O artista cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes.

Num períodico da época, o Gil Blas, em 1908, descreveu o cubismo que foi criticado segundo a reação de Vauxcelles, e por fazer direta insinuação ao cubo, o que de fato parece, este ficou sendo o nome dado ao movimento.Todavia, o cubismo não parou no exemplo de Cézanne. Os artistas adeptos do movimento passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano.  Sem dimensões. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas. Bem a linha das feras, ou os fauvistas.

Para mim, e para alguns, com certeza, Vauxcelles é a prova de que o preconceituoso querendo atrapalhar, dá a ferramenta exata para que haja uma novidade, uma criação, uma transformação em algo já tradicionalmente estabelecido na sociedade.

Como principais características da pintura cubista, é notório que há uma geometrização das formas e volumes; existe a renúncia à perspectiva (às favas! _ não fauves) e na composição em, no máximo, duas dimensões;

a técnica sobra e luz, ou, claro e escuro perde sua função para dar uma representação do volume colorido sobre superfícies planas. No cubismo há preferência pelas linha cortadas, cruzadas e aleatórias. O espectador tem a sensação de estar vendo uma escultura e não uma pintura. Por muitos foi chamada de "pintura escultórica".

Depois de Cézanne e seus seguidores, na fase cezannista ou cezaniana que durou de 1907 a 1909, ou seja, a fase da Influência do francês Paul Cézanne, o cubismo se dividiu em duas fases distintas, que sabemos, é a do Cubismo Analítico, iniciada em 1909, caracterizado pela desestruturação da obra em todos os seus elementos, decompondo a obra em partes. 

Nesse caso, o artista registra todos os elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a visão total da figura, antes examinada em todos os ângulos simultâneamente, através da fragmentação dela. Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas.  Isso pode ser constatado em algumas obras de Pablo Picasso, por  exemplo, antes da fase da cor, quando a cor se reduzia aos tons de branco, castanho, cinza e preto.

Já em 1911, o chamado Cubismo Sintético, fez seu debut, com uma excessiva fragmentação dos objetos e em desmembramento de sua estrutura. Resumindo, essa tendência procurou tornar as figuras novamente reconhecíveis. Também chamado de "Colagem"  porque introduz letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção dos artistas em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as sensações táteis. Foi a mãe, ou melhor, o "pai das instalaçôes" contemporâneas.

Como artistas ligados ao cubismo, lembramos sempre de Pablo Picasso, nascido em 8 de abril de1881 e falecido em 1973, com um fato curioso e emocionante, envolvendo o cubista: tendo, Picasso, vivido 92 anos e pintado desde muito jovem, até próximo à sua morte, passou por diversas fases: a fase Azul, entre 1901-1904, que representa a tristeza e o isolamento provocados pelo suicídio de Casagemas, um velho amigo de Pablo, são evidenciados pela monocromia e também representando para ele, a miséria e o desespero humanos. Depois, ele teve a fase Rosa, entre 1904-1907, um Picasso apaixonado, o amor por Fernande, origina muitos desenhos sensuais e eróticos, com a paixão de Picasso pelo circo, iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim. Depois de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não pinta ou esculpe de acordo com a tendência de um determinado movimento estético, mas com uma liberdade muito maior. Então, inspirado, Picasso desenvolve uma verdadeira revolução na arte, em 1907, pintando Les Demoiselles d’Avignon, que esteve até um tempo escondida em seu atelier, como um "experimento" e que deu muiuto certo. Com elas, Picasso começa a elaborar a estética cubista que, como vimos, se fundamenta na destruição da estrutura e harmonia clássica das figuras e na decomposição da realidade. Essa tela subverteu o sentido da arte moderna, com a declaração de guerra em 1914, e chega ao fim a aventura cubista. Chega ao fim? Não! Esses traços viveram para sempre nas obras de Picasso.

Quando, em 1937, a obra Guernica foi mostrada pela primeira vez na Exposição Internacional de Paris, houve mais um avanço da arte. A tela Guernica, na verdade um painel, foi concebido e executado com grande rapidez em seu estúdio em Paris. Picasso pretendia que seu quadro fosse uma denúncia contra a s mortes que estavam destruindo a Espanha, na terrível Guerra Civil que foi de 1936 até meados de 1939, e contra a perpétua desumanidade do Homem com o seu próximo. Nada mudou, não é?

A motivação de sua pintura, foi imediata, e reproduzida no quadro. Essa razão, a essência da pintura, foi o sofrimento causado pela destruição de Guernica, capital da região basca, no dia da feira da cidade, em 26 de abril de 1937. Durante o dia, os aviões nazistas, sob as ordens do general Franco, atacaram a cidade indefesa. De 7 mil habitantes, segundo dados levantados, de 1645 a 1954 foram mortos e 889 ficaram feridos.

Outros artistas que foram ligados ao movimento e deixaram obras memoráveis são: Entre os artistas plásticos, Juan Gris, que em 1914, pintou o  Homem no Café, Paul Gauguin, Georges Braque, como já falamos anteriormente, junto com Cezanne, Fernand Léger, Lyonel Feininger, Kazimir Malevich, Umberto Boccioni, Diego Rivera, Robert Delaunay, Piet Mondrian, para falar alguns, e aqui no Brasil, alguns pintores que usaram a técnica, como já explicamos antes sobre as classificações e atribuições feitas à artistas, mas não se pode dizer que tenham sido exclusivamente cubistas, foi a Tarsila do Amaral, o Vicente do Rego Monteiro, o Di Cavalcanti, Juarez Machado, a Anita Malfatti, entre outros.

Albert Gleizer

Alexey Von Jawlinsky

Anita Malfatti

Pablo Picasso

Auto Retrato, Picasso

Roger de La Fresnaye

Juarez Machado

Juarez Machado

Juarez Machado

Roger de La Fresnaye

Pintores Renomados Brasileiros _ Anita Malfatti

Anita Malfatti foi uma pintora, de fato, talentosa, mas o que muitos não sabem sobre ela, é que ela representou bem mais do que isso. Para dedicar-se às Artes Plásticas, Anita teve de vencer o desafio de uma artrose deformante e condicionar a sua mão esquerda para aprender a pintar. Anita Malfatti foi um exemplo de superação em muitas situações na vida. E um detalhe: ela teve de fazer isso, ainda criança, quando começou a ter suas primeiras aulas de arte, com cerca de nove anos de idade.

Filha de imigrantes, um italiano e uma norte-americana, Anita nasceu em 1889, no dia 02 de dezembro, e logo se percebeu que tinha uma atrofia causada pela artrose, que atingiu o braço e mão direita, causando paralisia, mas que com a perseverança que tinha e a ajuda que obteve através de aulas com Mrs. Browne, Márcia P. Browne, que foi uma educadora americana que veio à São Paulo, a convite de Horacio Lani, a pedido de Caetano de Campos, com a finalidade de organizar o ensino primário numa escola americana, anexa ao Colégio Mackenzie. Ao que parece, a instrutora Marcia, foi quem ministrou-lhe aulas e lhe ensinou a dominar o movimento da mão esquerda, embora sendo ainda uma criança, foi incentivando Anita a continuar almejando seus interessses artísticos.

Anita iniciou seus estudos em 1897, em 1903 foi para a Escola Americana e enfim, seguiu seus estudos até a formatura de normalista em 1906 no Colégio Mackenzie. Um período pós a morte de seu pai, Samuelle Malfatti, sua mãe, Elizabeth Krug, precisou dar aulas particulares de idioma (inglês) e de pintura, sob a orientação de um pintor conhecido da família, chamado Carlo de Servi e de cuidar de um parente acamado (sua avó), restando-lhes poucos recursos para que ela conseguisse ir à Paris, seu sonho, e estudar Arte, nesta época, Miss Browne já não se encontrava no Brasil, pois, havia retornado aos Estados Unidos. E foi com a mãe, pois Anita acompanhava as aulas que tomavam a maior parte de seu tempo, que Anita entrou com firme pé, no mundo das artes plásticas.

Sem desistir e com ajuda de próximos,  amigas de colégio que iam estudar música na Europa, e de seu tio, George Krug,  que financiou a viagem, Anita viajou para a Alemanha,  e lá, recebeu a sugestão para estudar no ateliê do artista pintor Fritz Burger, um retratista que dominava a técnica pontilhista ou divisionista. Foi o primeiro mestre alemão de Anita. Nessa época ela ingressou na Academia de Belas Artes de Berlim. e acabou sendo aluna de outro pintor renomado, Lovis Corinth.

Então, em 1913, inicia as suas aulas com o professor Ernst Bischoff-Culm, que era da mesma escola de Corinth. Com a instabilidade social-política, que era o prénuncio da guerra de 1914,  a tempo, Anita Malfatti resolve deixar Berlim e indo rapidamente à Paris, volta ao Brasil. Quando eclodiu a guerra, em 1914, Anita tinha 24 anos. Sem condições financeiras e não querendo abandonar as Artes, montou no dia 23 de maio de 1914, uma exposição com obras de sua autoria, exposição essa que ficou aberta até meados de junho. Como suas obras não haviam sido do agrado do senador brasileiro do qual dependia para uma bolsa de estudos, e com o estouro da guerra na Europa, o tio, mais uma vez, a embarca para os Estados Unidos, e em 1915, ela começa na tradicional Art Student's League.

Daí para diante, mesmo com os percalços da guerra, causando dificuldades em todo o mundo, e dificultando as locomoções entre países estrangeuros, Anita deu prosseguimento a sua jornada como artista.

Mas foi em 1917, dois anos depois, que Anita reuniu 53 obras suas e com forte tendência expressionista, herança do que estudou e viu na Europa, almejando com o evento, expor individualmente em São Paulo, no que intitulou o evento de “Exposição de Pintura Moderna Anita Malfatti”. Porém, foi em 1922, participou de outro evento, a Semana de Arte Moderna do Brasil, onde, nesta exposição que tornou-se um marco do movimento modernista no Brasil, consagrou definitivamente o seu trabalho. 

 A Semana de Arte Moderna, que ficou famosa mundialmente como a Semana de 22, chocou muitas pessoas, na verdade, as de mentalidade provinciana que, de certa maneira, não estavam preparadas para compreender a inovação estética expressa na arte dos artistas modernistas. E com isso, a crítica foi impiedosa, mas como sempre, o mundo tem que caminhar e tornou-se o início de uma marcante parte da História da Arte no Brasil e um evento que hoje faz parte do ensino das Belas Artes no mundo inteiro, ao se citar a Arte no Brasil, e como foram muitos movimentos rechaçados pelos "cínicos" de arte, aqueles que viviam de ganhar dinheiro explorando artistas, mas que de arte nada mesmo entendiam, pois não faziam arte, em sua maioria.

Um dos críticos azedos de seu trabalho, foi o escritor Monteiro Lobato, que, depois de visitar a exposição, publicou no jornal “O Estado de São Paulo” o artigo intitulado “Paranoia ou mistificação?”, no qual critica as obras da artista, e tão logo, seu argumento foi rebatido por Oswald de Andrade. 

Pessoalmente, considero paranóia ou mistificação "O Sítio di Pica-Pau Amarelo", que apesar de baseado em lendas, causos e crendices do povo brasileiro, é bem mais surreal que qualquer obra pintada e exposta na Semana de 22. Acho interessante as críticas vindas de certos colegas de notoriedade. Suas palavras e análises parecem carregadas de uma só coisa: a maldade vinda da inveja.

Mais tarde, Anita realizou seu sonho de estudar Artes na França, pois em 1923, Anita ganhou uma bolsa para estudar em Paris. Em Paris, Anita conheceu alguns importantes pintores como o cubista Fernand Léger (1881-1955) e o impressionista Henri Matisse (1869 - 1954) entre outros do movimento modernista.

De volta ao Brasil, ao lado de Mario de Andrade, Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade e Menotti del Picchia, formaram o “Grupo dos Cinco", que defendiam as ideias e a importância da Semana de Arte Moderna como um divisor de águas na cultura das Artes Plásticas e do comportamento no Brasil.

Dentre as suas obras mais conhecidas do público e expostas, estão:

O Homem Amarelo, pintado em 1915.

Auto-Retrato, de 1922.

O Burrinho Correndo, de 1909 (nesta ocasião, numa fase entre naturalismo e impressionismo, Anita assinava como "Babynha", seu apelido. A partir de 1914, passou a assinar seu próprio nome).

Retrato de Fernanda de Castro, 1922.

Tropical, de 1917

Retrato de Mario de Andrade, 1921.

Foto da artista, Anita Malfatti,

Espaço Próprio _ Giovanna, com guirlanda de flores na cabeça

Giovanna, com guirlanda de flores na cabeça, 2020

 

Pintores Brasileiros _ Ilustradores _ Augusto Rodrigues

 Pintor, desenhista, gravador, ilustrador, caricaturista e poeta, Augusto Rodrigues nasceu em Recife em 1913 e realizou sua primeira exposição individual em 1933, em Recife. Seus trabalhos, ligados ao desenho são os de maior repercussão nas artes, mas em qualquer de seus trabalhos existia lirismo, harmonia e beleza no traço.

Mudou-se para o Rio de Janeiro em 1935, indo trabalhar com Percy Lau, e como ilustrador em jornais, e em 1948, fundou a Escolinha de Arte do Brasil (EAB), na Biblioteca Castro Alves. A escola não era acadêmica, tinha a liberdade para criação e era frequentada por jovens e crianças, que aprendiam a se expressar através na arte usando papéis. Essa idéia da escola não convencional, foi idealizada por Augusto porque desde cedo como todo artista, ele percebia as coisas de modo expresso.

Augusto recordava sua infância e juventude, explicando aos seus ouvintes que, "no fundo eu me formei na rua, em contato com as pessoas, evidentemente passando por uma escola. A minha primeira escola foi uma experiência muito triste porque não só eu me via impossibilitado de me movimentar, de falar, de viver, como também olhava as outras crianças impedidas igualmente de se expressarem. A escola era sombria, era triste, a professora também era sombria, e eu sentia uma preocupação, uma tensão dessa professora de imprimir nas crianças coisas que não tinham nenhum sentido para elas. Nós teríamos que aprender o que interessava a ela ensinar e teríamos que abdicar aquilo que era fundamental para nós, que era brincar".

Em 1953 recebeu um prêmio por seus trabalhos apresentados no Salão Brasileiro de Arte Moderna e viajou pelos países europeus durante o período de 1955 e 1956. O contato com arte européia foi de grande valia para a expansão da sua expressão. E em 1960, fundou e tornou-se o primeiro presidente da Associação dos Artistas Plásticos Contemporâneos ( o Arco).

Na década de 1980, escreveu seu primeiro livro "A Fé entre os Desencantos". Recebeu vários prêmios bem significativos para sua carreira: a Medalha Anchieta, da Prefeitura da cidade do Rio de Janeiro (1982); a Medalha do Mérito da Fundação Joaquim Nabuco de Pesquisa Social de Pernambuco (1982); a Medalha Pernambucana do Mérito, Classe Ouro, do governo do Estado de Pernambuco (1986) e o título de Doutor Honoris Causa, da Universidade Estadual do Rio de Janeiro (1988). Em 1980, ainda nesta década, participou da fundação do Museu do Desenho e Gravura, de Itajaí (SC), doando seu acervo de gravuras e desenhos de artistas e estrangeiros. Em 1982, em Florianópolis (SC), participou da organização da Oficina de Desenho e Gravura do Museu de Florianópolis que recebeu o nome Atelier Livre de Gravura Augusto Rodrigues.

Na década de 1990, foi eleito Presidente de Honra do Colloque Homme, Santé, Tropique, da Universidade de Poitiers (1990); foi lançado em Recife (PE) o livro com sua biografia: Augusto Rodrigues: o Artista e a Arte, Poeticamente, de Rosza W. Vel. Zoladz, da Editora Civilização Brasileira, na Escolinha de Arte do Recife (1991); foi homenageado no 6º Congresso Nacional da Federação de Arte-Educação do Brasil (Confaeb), na Universidade Federal e na Universidade Católica de Pernambuco (1993); e a ele foi entregue a Medalha Comemorativa Augusto Rodrigues na Casa Rui Barbosa, no Rio de Janeiro. É notório que a EAB fez a diferença na carreira de Augusto, como educador.

A Sociedade Pestalozzi, escola para educação de crianças especiais, a contribuição de Augusto Rodrigues se deu quando se tornou professor de crianças e de adultos. As crianças aprenderam, assim como ele, que a atividade artística pode ser u, maravilhoso e excepcional motivo de estudo.

Alguns trabalhos de Augusto Rodrigues ainda podem ser encontrados em casas de leilão e galerias de arte.

Augusto Rodrigues, trabalhando.

Cabeça de Mulher, 1973.

Cabeça de Mulher, 1969

Mulher Deitada, 1971

A Dama de Preto, 1976

Pintores Renomados Brasileiros _ Di Cavalcanti

Figura icônica do movimento modernista no Brasil da década de 1920, Emiliano Augusto Di Cavalcanti Albuquerque, nasceu na Bahia em 6 de setembro de 1897, mas não restringia seu talento somente a pintura, no ramo das artes visuais, Di Cavalcanti foi desenhista, ilustrador, cartunista, caricaturista, muralista, cenógrafo, escritor, jornalista, poeta e doutor honoris causa pela Universidade Federal da Bahia.

Em 1909, aos onze anos já era aluno do pintor Gaspar Puga Garcia. Aos 13 anos, Di Cavalcanti publicou seu trabalho na Revista “Fon-Fon”, onde viria a trabalhar em 1914 fazendo suas ilustrações.

Filho de Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo com Rosalia de Sena, Di Cavalcanti transparece em suas obras a influência do expressionismo alemão e do cubismo, principalmente pelas cores vibrantes e desenhos sinuosos que retrataram temas caracteristicamente brasileiros, tais como o carnaval, as mulatas, os operários, as favelas. A influência de Picasso é notória em seu trabalho. 

A cultura baiana, as mulheres e paisagens típicas estamparam suas telas. Contemporâneo de outros artistas brasileiros que marcaram o Modernismo, um de seus projetos foi, exatamente, a idealização da Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo em fevereiro de 1922, na qual expôs 11 obras e as ilustrações publicitárias. Amigo de Mário de Andrade, irmão de Oswald, com ele,  Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, e outros, tiveram participação na histórica exposição. Sua primeira individual foi em 1917 na redação da revista "A Cigarra".

Com a repercussão do evento, em 1923, segue para a Europa, onde residiu em Paris até 1925. Suas obras foram expostas em Berlim, Bruxelas, Amsterdã, Londres e Paris. De volta ao Brasil, em 1926, Cavalcanti foi ilustrador do livro “Losango Cáqui”, de Mário de Andrade (1893-1945) e no “Diário da Noite”, onde também foi jornalista.

Em 1928, ele resolve se filiar ao Partido Comunista do Brasil. Em 1932, Di se torna membro fundador do Clube dos Artistas Modernos. Cavalcanti, em função de sua atuação política, é preso em 1932, no contexto da Revolução Constitucionalista, e 1936, ainda perseguido pelas autoridades, foge para Paris, onde se refugia até o início da Segunda Guerra Mundial, em 1939. 

Esteve no Uruguai e na Argentina para expor e foi premiado na “Exposição de Arte Técnica” de Paris, pela decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira em 1937.

Di Cavalcanti Ilustrou livros de Vinícius de Morais, Álvares de Azevedo e Jorge Amado,  apresentou suas obras na Cidade do México e na I Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Na II Bienal de São Paulo, em 1953, recebeu a láurea de melhor pintor nacional junto com Alfredo Volpi. 

Di Cavalcanti foi homenageado pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM) com uma exposição retrospectiva de seus trabalhos. Em 1955, ele publica o livro de memórias 'Viagem de minha vida'.

 

Participou da Bienal de Veneza em 1956, mesmo ano que é premiado na Mostra de Arte Sacra de Trieste, na Itália.

Em 1960, Di Cavalcanti ganha a medalha de ouro na Bienal Interamericana do México. Em 1966, ele recupera seus trabalhos extraviados no início dos anos de 1940 e ficaram armazenados nos porões da embaixada brasileira. 

Em 1971, outra retrospectiva de sua obra é organizada para homenagear Di Cavalcanti, desta vez pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Di Cavalcante faleceu no Rio de Janeiro, em 26 de outubro de 1976.

Di Cavalcanti

Retrato de Mulata, 1955, Di Cavalcanti

Mulher com o Gato, 1973

Cinco moças de Guaratinguetá, 1930

Retrato de Mulata ( Marina Montini), 1969

Pintores Brasileiros Renomados _ Aldemir Martins

O artista plástico Aldemir Martins, nasceu em 8 de novembro de 1922, na pequena cidade da região do Vale do Carirí, em Aurora, Estado do Ceará.  Ele também, como muitos artistas, foi ilustrador, pintor e escultor autodidata, de grande renome e fama no país e exterior.

Aldemir, filho de Miguel de Souza Martins e Raimunda Costa Martins, era autodidata e iniciou cedo seu interesse pelas Artes. Seu pai era encarregado de construção de estradas de ferro na Rede Viação Cearense. A família se mudou várias vezes durante sua infância. Quando se estabeleceram no município de Pacatuba, próximo à Fortaleza, quando Aldemir tinha, cerca de 11 ou 12 anos. 

Em 1942 expõe, pela primeira vez, no II Salão de Pintura do Ceará. Neste período passa a trabalhar, como ilustrador para jornais, revistas e livros e em 1945, ele se muda para o Rio de Janeiro, onde participa de uma coletiva na Galeria Askanasi e do Salão Nacional de Belas Artes. Um ano depois muda-se para São Paulo, onde realiza sua primeira exposição individual, na seção paulista do Instituto de Arquitetos do Brasil. Retoma sua atividade nos jornais com ilustrações para a coluna "Bairros na Berlinda" que era publicada pelo Correio Paulistano. O artista participa de várias bienais, mas foi em 1955, que ele realiza a sua exposição no Vº Salão Baiano de Artes Plásticas, em Salvador, Bahia, onde recebe a Medalha de Ouro. 

Nesta época Aldemir inicia a pintura de uma série de painéis. Pinta o painel do bar "O Cangaceiro", no Rio de Janeiro, que se tornaria reduto da boemia carioca, frequentado por pintores, jornalistas e escritores da época, entre eles Dorival Caymmi e Ary Barroso. 

Entre tantas outras atividades e exposições, em 1958,  Aldemir é convidado para executar dois painéis para o Aeroporto de Congonhas, pintando-os sobre as paredes da ala Internacional. Anos depois esses painéis se deterioraram e, apesar de Aldemir ter se proposto a restaurá-los, de graça, terminaram destruídos e o Departamento de Aviação Civil mandou pintar as paredes onde eles estavam...

Ainda em 1958, recebeu o Prêmio Jabotí por Melhor Capa de Livro do Ano, atribuído pela Câmara Brasileira do Livro, pela capa de "História do Modernismo Brasileiro, Antecedentes da Semana de Arte Moderna". Neste ano também nasce sua filha, em 24 de novembro, Mariana Pabst Martins, fruto de sua união com Cora Pabst. Em 1959, recebe o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Arte Moderna e permanece por dois anos na Itália.

Fez desenhos em nanquim que serviram para estampar objetos e tecidos de decoração, e seus gatos, foram uma série conhecida em todo o Brasil que foi admirada em todo o mundo.

Em 2005,  na exposição,  "Sete décadas de Sucessos Artísticos", dos anos 1945 a 2005, o MASP inaugura esta exposição retrospectiva de Aldemir Martins e promove o lançamento do livro do pintor e gravador brasileiro, conhecido pelos seus temas do nordeste, animais e mulheres. Seu trabalho artístico alcancou o público da Europa e Américas e a beleza de suas cores tornou sua obra inesquecível. A retrospectiva de um dos artista brasileiro vivo, foi uma homenagem do Masp a Aldemir Martins, por suas sete décadas de produção artística. Aldemir faleceu em 5 de fevereiro de 2006 aos 83 anos.

Aldemir Martins

O 'Gato Vermelho', obra de 1995 de Aldemir Martins.

'A Fruteira' de 1986, Aldemir Martins

'O Gato Amarelo', de 1978

'Flores em Nanquim e Aquarela, 1966, de Aldemir Martins

Pintores Renomados _ Cuno Amiet, 1868, Soleura, Suíça

 

Auto Retrato em Rosa, Cuno Amiet, 1907

E por falar em rosa, eu lembrei de um pintor e ilustrador suíço, Cuno Amiet, que pintou um auto-retrato em rosa, o que figura acima. Cuno Amiet nasceu em Soleura, no dia 28 de março de 1868 foi um pintor, ilustrador e escultor suíço.

Cuno criou mais de 4.000 obras, sendo a maioria, autorretratos, mas há também numerosas pinturas de paisagens que retratam muitas cenas de inverno, de jardins e de colheitas de frutas.

Ele continuou a buscar principalmente concepções decorativas no início do século XX, mas foi o seu trabalho tardio das décadas de 1940 e 50, firmado em conceitos abstratos de luz e espaço, através de um brilho matte com pontos de cor, ou pastel, que obteve mais notoriedade. por um brilho pastel e pontos de cor, como exatamente pode se perceber no seu auto-retrato em rosa.

Outras interessantes obras de Cuno e de apreciação pública foram Garota com Flores, Paisagem Enluarada, Auto Retrato com Maça, os retratos de sua esposa Anna Amiet e outros trabalhos belíssimos.

Garota com Flores, 1896

Paisagem Enluarada, 1904

Anna Amiet (esposa do pintor), com Flores, 1923

Cuno Amiet, auto-retrato de 1920

Espaço Próprio _ 'O Céu em Rosa'

Duas observações que geraram estas pinturas em 2018, ao observar o céu. Na poética da arte, Deus havoa pintado o entardecer de nuances de vermelho, rosa, alaranjado...na mesma criação do Mesmo, científicamente constatando, como a luz é uma onda eletromagnética, cada comprimento da onda varia a cor, como para exemplificar, as ondas próximas de 0,00045 de milímetro são azuis, as de aproximadamento 0,0007 mm são vermelhas, e quando o  Sol emite luz de todos os comprimentos, sem distinções, a luz penetra na atmosfera nas moléculas do ar que quando atingidas pela luz solar, espalham com grande intensidade as cores azul e violeta, no entanto, o olho humano é pouco sensível à cor violeta, mas sabemos que a mistura de azul e vermelho, produzem os tons de roxo, ou violeta.

Quando as nuvens refletem estas cores, já providencio um pincel à mão!

 

Pintores Renomados _ Camille Pisarro, 1830, Ilhas Virgens

Jacob-Abraham-Camille Pissarro, nasceu 10 de julho de 1830 em Charlotte Amalie, St. Thomas, nas Indias Ocidentais Dnamarquesas (hoje, American Virgin Islands) sendo filho de Abraham Gabriel Pissarro, um judeu sefardita português, e Rachel Manzana-Pomie, oriunda da  República Dominicana. Ambos sofreram perseguição durante a Inquisição promovida pela Igreja Catolica Romana.

Pissarro morou em St. Thomas até os 12 anos de idade, quando foi para um internato em Paris. Ele voltou para St. Thomas, onde desenhou em seu tempo livre. Pissarro foi atraído pela anarquia política, uma atração que pode ter se originado durante seus anos em St. Thomas e devido ao sofrimento dos pais e demais perseguidos pelos católicos.

Tomar conta do negócio da família, algum tempo depois, dedicou-se muito mais pela sua paixão pela pintura, o que causou-lhe uma grande mudança de vida: no ano de 1852 conheceu o pintor dinamarquês, Fritz Melbye e obteve a oportunidade de concretizar o seu sonho, quando então, surgiu com um convite para acompanhar uma expedição de Fritz Melbye, enviado pelo governo das Antilhas Dinamarquesas, para estudar a fauna e a flora da Venezuela, na América do Sul, onde o pintor passou dois anos, retratando as belezas da fauna e flora. Sua paz chegou aos 23 anos, quando em 1855, ele já estava em Paris com ajuda de Anton Melbye, tentando iniciar a sua carreira artística. 

O jovem Pisarro fascinou-se com as telas de Camille Corot e iniciou amizade com Paul Cézanne, Claude Monet, Charles-François Daubigny, entre outros pintores impressionistas. 

Com Monet passou a sair para pintar ao ar livre, em Pontoise e Louvenciennes e em 1861 casou com Julie Vellay, com quem teve oito filhos. Pisarro faleceu em 1903, em 13 de novembro, aos 73 anos.

Boulevard, Montmartre

Pintura em aquarela de trabalhadores campesinos

Le pont neuf aprés midi de pluie

Camille Pisarro

Pintores Renomados _ Franz Marc, 1880, Munich

O pintor Franz Marc, nascido a 8 de fevereiro de 1880 em Munique, Alemanha, lançava mão do uso da cor como componente, como uma importante peça na engrenagem do processo criativo.

Sua arte era o meio para representar suas crenças, de forma quase onírica, expondo a verdade oculta e íntima da realidade. e aos poucos, ele foi se libertando da referência cromática naturalista e realista. Franz Marc mostrou a importância da cor em suas obras, deu a todas elas, forte conotação de intensidade e vibração. 

Para ele, o vermelho representava a matéria, o azul era o elemento masculino e o amarelo era o elemento feminino. Em "Grandes Cavalos Azuis", obra de 1911, e "Pequenos Cavalos Amarelos" de 1912, a  temática está presente no seu trabalho, onde, neste, o cavalo é representado como um símbolo da força.

Observe que a maior parte das suas obras retrata os animais, em maior evidência, os animais fottes e de personalidade definida, como cavalos, tigres e animais silvestres de grande porte.

Influenciado pelo uso da cor, pelo artista Robert Delaunay, Franz foi gradativamente aproximando a sua obra do estilo futurista e do cubista, até a  crescente abstração que culminou na abstração expressiva de seu trabalho. O tema de Franz Marc é a força vital da natureza, o bem-estar, as cores da vida, a  sua beleza e a essência do animal.

Franz Marc

 

Birds, 1914

Tigre, 1912, e Cervos na Floresta, 1914

Franz Marc

Cachorro deitado sobre a Neve, 1911

Blue Black Fox, 1911